Conferencia. Arte VS Diseño.

Intervienen:  Lino Cabezas. Catedrático de Dibujo de la Universidad de Barcelona.

                  Miguel Ángel Mila. Director del Centro de Diseño de Castilla-La Mancha. Diseñador y                                      Gestor Cultural.

Tema: Los procesos creativos del arte- dibujo frente a los del diseño. Materialización de las ideas. El proceso intelectual que encierra las fases de un proyecto.

Muchos intentan identificar o definir qué es arte y qué es diseño, pues he de deciros que se tratan de dos parcelas totalmente distintas. Podemos decir también que el arte participa del diseño y viceversa.

La verdad es que el diseño es un sector que se limita a un entorno específico y a la hora de especializarse en él son muy pocas las posibilidades de carácter público. Con esto quiero decir que se trata de un tema muy vivo en la práctica profesional y que se debería demandar de forma masiva un grado específico de diseño.

El término diseño evoca la idea de dibujo. Se trata de una construcción contemporánea que ha inundado nuestras vidas. Sus inicios se remontan a partir de la Segunda Guerra Mundial, con Tomás Maldonado, teórico y diseñador que funda una institución que vincula la metodología de proyecto junto al diseño.

Entre la obra teórica de Maldonado podemos utilizar para este tema títulos como Vanguardia y racionalidad; El diseño racionalizado; Proyectividad y expresividad.

El concepto de diseño científico rechaza toda la estética.

Paralelamente podemos decir que el arte ha sido a lo largo de la historia normativo y metodológico, aportando la seguridad del éxito del trabajo.

¿Realmente son dos vías totalmente incomunicadas?

Tanto el arte como el diseño son algo acumulado, un compendio de diferentes épocas que sirven para llegar a lo que actualmente se produce, una evolución, una creación de una nueva etapa.

El mundo del diseño lo conocemos a través de la imagen, tratada en la mayoría de los casos por el medio digital.

La propuesta de los artistas posmodernos fue disolver ambos conceptos y fusionarlos en uno mismo. En estos momentos nace el mundo contemporáneo, aquel que no necesita de un museo para que su "arte" sea conocido. Esta supuesta novedad tiene antecedentes.

Daniel Defoe. An essay upon projects. Robinson Crusoe. Versión del libro.

Esta historia cuenta la capacidad que tiene un ser civilizado en la naturaleza. En la naturaleza natural el individuo ha creado un ecosistema.

Este ecosistema artificial que hemos creado nos ayuda a sobrevivir. Nuestra supervivencia es posible a través de esta artificialidad.

A través de este pensamiento se piensa que el diseño puede ser una ciencia.

La única opción para sobresalir en el campo del diseño es a través del arte. Podemos decir que en Italia se ha creado una de las pocas facultades dedicadas exclusivamente al diseño en general.

Intentando aclarar un poco estas dos vías tan diferentes pero, a la vez, tan unidas, podemos decir que ambos dependen de la historia, de lo que se está dando en la actualidad, de intentar captar la atención del público de forma estratégica o bien novedosa.

Recuperar etapas o estilos, convertirlos en tu propio lenguaje, todo es posible en estos sectores, siempre y cuando el resultado te agrade.

"Si no tienes esa intuición de que haces las cosas bien no vas a convencerte a ti mismo y mucho menos al resto"

Para concluir he de decir que desde este momento tengo una concepción totalmente diferente sobre estos conceptos en base a lo que pensaba antes de asistir a esta conferencia.

Pienso que ambos dependen de ellos mismos y del resto de cosas que rodea nuestra naturaleza artificial. En cuanto a la materialización de las ideas pueden ser iguales, parecidas o totalmente diferentes, debido a que encontramos una gran variedad de medios para desarrollar y plasmar nuestras ideas.

El proceso intelectual no es un factor que se diferencie en el arte y en el diseño, sino que radica en el individuo como ser pensante al resto. Cada ser humano, por muy parecidos que podamos ser, proviene de un lugar, tiene una cultura y una vida diferente al resto. Por tanto su proceso intelectual jamás va a coincidir con los demás.

Si nos referimos a las matemáticas podemos decir que generalmente todo el mundo piensa igual pero si nos fijamos más detalladamente es una ciencia que en Egipto, China y España se ejecuta de forma diferente.

Aún así podemos decir que son mucho más objetivas que el arte y el diseño.

Espero que hayáis disfrutado y sacado algo en claro.

Conferencia, inauguración y entrevista a Juan Manuel Díaz Burgos.

A través de la presentación en el Salón de Actos de la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada que realiza "Monti" del artista podemos ver la gran admiración que siente por él. Nos cuenta que es un gran fotógrafo documentalista, de la vida. Tenemos a la persona idónea. Es como un felino al acecho, nos dice.

Podemos hablar de un fotógrafo que capta la esencia mágica de América Latina.

"Mi encuentro con la fotografía fue un flechazo"

"Me quiero centrar en Cuba, sobre un proyecto fotográfico y hablar de mis ideas a la hora de afrontar un trabajo."

Todo proyecto tiene un deseo.

Cuando salimos a la calle previamente debemos tener en nuestra mente lo que vamos a fotografiar. Si hacemos fotografías sin un argumento o una idea preconcebida, al fin y al cabo se queda vacío.

Por tanto tenemos que afrontar un proyecto que surge de una idea.

El nombre de la exposición es Deseo.

"Una noche, sobre el año 1997 coincido con Cristina García Rodero. De aquella noche salió una foto, en mi opinión, muy bruta y salvaje."

La fotografía estaba tomada entre una nave y una carroza. En ella aparecen como protagonistas una pareja. Ella era vedette y estaba en actitud cariñosa con un hombre.

"En ese momento me salió la vena de fotógrafo y voiageur. Me acerqué y les dije: permiso. Los coloqué un metro hacia el lado donde apuntaba la única luz del lugar. Tomé unas seis imágenes".

De esa imagen surgen otras relacionadas con las relaciones entre las parejas. "En ese momento me dije: por qué no. En ese momento surgió este gran proyecto que hoy nos ocupa (...) Me gusta captar esa esencia de vida, en la que no conozca a los personajes de la fotografía. Veo muy fácil hacer lo que hace Isabel Muñoz (una fotografía de un cuerpo escultural en dos metros)".

En cuanto a la exposición tan sólo dos fotografías están siendo cómplices con Juan Manuel. Espero que os guste.

ENTREVISTA

Ana María- En la conferencia que ofreciste esta tarde dijiste que expones en Madrid en junio de 2012. ¿Podrías decirme dónde se encuentra exactamente?

Juan Manuel- La exposición va a tener lugar en Casa de América, situada en uno de los edificios que rodea a la Fuente de Cibeles.

A.M- A raíz de tus viajes a la Habana para realizar fotografías documentales has decidido impartir un taller sobre el mes de agosto 2012. Si decidiese inscribirme, ¿Cuánto debería pagar?

J.M- Respecto al vuelo he de decirte que cada uno se lo saca como crea conveniente. La duración del taller es de una semana pero, quien lo desee, puede quedarse el tiempo que estime oportuno. El precio de la inscripción es de 400€ y el derecho al alojamiento, de lo que me encargo yo, son 300€. El derecho al alojamiento consiste en que yo mismo te busco el lugar donde te vas a hospedar.

A.M- Nos hablaste de la cámara analógica y del Tri-X. ¿Podrías explicarme que es esto último?

J.M- Se trata de una película clásica de sensibilidad media (400 ISO) con la que han trabajado los fotógrafos de los últimos años. Este tipo de película es el que he utilizado en toda la serie que aquí se muestra en la exposición.

A.M- Debido a tus experiencias profesionales, ¿nunca te han llamado la atención mientras estabas trabajando?

J.M- La verdad es que trato de pasar desapercibido, debido a que nuestros rasgos son muy característicos. Me han llamado la atención en casos puntuales pero se quedan en simples anécdotas.

A.M- ¿No te da vergüenza acercarte a una corta distancia a las personas que van a ser fotografiadas?

J.M- (Risas) Hay que superarlo.

A.M- Respecto a los viajes que has hecho, ¿te han subvencionado algo o te lo has costeado tu?

J.M- Hay de todo. Es como cuando tienes un negocio. Al principio debes invertir y arriesgar en tu proyecto para sacar beneficios. Me han dado ayudas de las cajas de ahorro, becas y subvenciones.

Conferencia. Miguel Ángel Moreno Carretero.

Es el organizador y fundador de 16 ASAS, un proyecto llevado en Córdoba por el artista y que está dando que hablar, debido a que utiliza bolsas para mostrar las obras de artistas en plena efervescencia. En algunas ocasiones cuentan con la participación de artistas algo más reconocidos a nivel nacional.

Este proyecto se muestra en nuestra facultad, al menos una vez al año, en el FACBA, un encuentro en el que varias galerías andaluzas y una selección de artistas de la Facultad de Bellas Artes de Granada muestran una selección de sus obras al público.

Como inauguración del FACBA'12 contamos con la conferencia de Miguel Ángel Moreno Carretero, en la cual nos contará su producción artística desde sus inicios como estudiante de Bellas Artes, hace aproximadamente diez años en la Facultad de Sevilla, hasta sus proyectos más recientes y constantemente actualizados: 16 ASAS y SCARPIA.

En cuanto a su trayectoria podemos decir que le han ofrecido un gran número de becas de investigación sobre el tema que a nivel artístico le causa más curiosidad, el entorno público. Es un artista multidisciplinar que demostró a sus profesores de pintura de paisaje de la Universidad de Sevilla que no seguimos en la época donde todo se representaba en un soporte bidimensional tal y como era.

En un caso concreto utiliza la silla como escenario para representar el paisaje, haciendo el paisaje sin pintar. Otros ejemplos de artistas que utilizan el paisaje de manera poco convencional son Patinir, Caspar David Friedrich, Brossa y Richard Long.

Una obra de Moreno Carretero es Con la hipoteca hasta el cuello. En ella podemos ver una especie de humor gráfico, debido a que se tratan de corbatas como viviendas.

Las que más me han llamado la atención, dentro de su producción, han sido la pajita llevada a escala monumental colocada en embalses y ríos, fomentando el agua, la cual tiene un cierto símil con las obras de Oldenburg; y la otra obra es una roca en mar que ha sido intervenida por el artista para crear un campo de fútbol. Tiene una obra prácticamente igual que la de Paco Pomet.

Comentemos un cuadro: El nacimiento de Venus y Palas y el Centauro. Sandro Botticelli.

Volvemos al arte y la filosofía de la mano de Inmaculada Romero, amante de dichas vías de conocimiento porque están cargadas de simbolismo.
La obra de Sandro Botticelli tiene claras manifestaciones de simbolismo y mitología porque lee a Homero y Ovidio. 

Nacimiento de Venus

Según la mitología, Cronos, hijo de Urano, lo desmembra y arroja el miembro al mar. Del mar empieza a salir espuma y surge de ahí la vida de Afrodita.

El nombre de Afrodita viene de Afros, que significa espuma de mar.

En la obra podemos ver como la historia representada no se corresponde con el título, sino que representa el episodio que va después. Céfilo y Aura/Cloris empujan a Afrodita a la isla de Chipre.

La concha simboliza la barca que va sin remos ni timón, la que le permite viajar.

Respecto a la Venus podemos decir que es una mezcla de dos de las tres gracias de la obra de la primavera: Voluptas y Cástitas.

Se ve voluptuosidad en la figura desnuda de la venus, con acentuaciones de algunas curvas y movimiento sensual. La castidad como amor puro se representa a través de las manos, las cuales tapan los senos y el pubis.
Los dioses del viento empujan a la venus mientras que del cielo caen rosas, de las cuales se desconocen de donde manan. Una explicación puede ser que Afrodita nació con rosas.
Esta obra tiene dos posibles lecturas. La primera es una lectura muy religiosa donde se interpreta como el alma que sale del agua bautismal. La segunda lectura es la visión en su mayor grado de la pureza como simplicidad de la belleza sin disfraces.
Para que exista belleza debe haber diversidad, disparidad, representada en la obra por el agua.
La figura femenina que tenemos a la derecha es la hora, la cual está esperando a la venus para ser revestida.
La lectura de la obra puede ser entendida de izquierda a derecha, pasando de la vida celeste a la terrestre. Las dos figuras de la izquierda se corresponden con el espíritu, la venus con el alma y la hora con el cuerpo. Se representan los cuatro elementos en la obra: el agua en el mar, el viento en la boca de Céfilo y el juego de las flores, la tierra como la ciudad de Chipre y el fuego en la luminosidad de la obra.
En esta obra se presentan también la unidad de contrarios: en las flores celestes contra el vestido de la hora. La venus actuaría como la intuición mediadora.

El nacimiento de Venus, 1484
temple sobre lienzo 278,5 x 172,5 cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia

Palas y el centauro.

Podemos ver a la diosa Atenea que desde el punto de vista simbolista podemos ver a la naturaleza virgen que nace de la cabeza de Zeus. La planta que se le ha consagrado a Atenea ha sido el olivo.

En su mano tiene una alabarda, representando la guerra inteligente, debido a que siempre va armada. Está guardando un espacio y el centauro lo ha ocupado.

Se presenta a la intelectual en un espacio abierto, mientras que el centauro se encuentra en el espacio más denso de la materialidad: la piedra.

El centauro nos muestra la dualidad del ser humano: humano + animal.

Podemos ver también la concepción platónica del alma, ya que representa el amor de la sabiduría. Es la sabiduría que domestica la personalidad con la inteligencia.

La alabarda es un elemento que va dirigido a la sabiduría, a las esferas celestes.

Esta obra completaría la serie de Botticelli, en las que se encuentra La primavera y El nacimiento de Venus.

Palas y el centauro, 1482-1483
temple sobre lienzo 148 x 207cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia

Espero que os haya gustado. La próxima obra a comentar será La Academia, de Rafael.

Comentemos un cuadro: La primavera. Sandro Botticelli.

Inmaculada Romero, enfermera con grandes inquietudes por la cultura, la filosofía y cualquier otro campo, nos muestra el conocimiento de la filosofía respecto al arte renacentista.

Para entender una obra en profundidad debemos trasladarnos e introducirnos en la época.

A finales de los S.XIV, XV, XVI todos los campos del conocimiento se amplían. La filosofía se convierte en una parte fundamental de la sociedad de aquel tiempo, debido a que pasamos de una visión teocéntrica a una antropocéntrica.

En esta época se producen cambios que cambian los pensamientos humanos. Se retoman a filósofos de la corriente clásica, tales como Platón y Plotino.

Según Plotino el hombre posee una doble naturaleza (cuerpo, alma). Para conocer al verdadero hombre hay que penetrar en su parte espiritual.

La idea de alma y el triple mundo formará parte de la pintura.

Platón expone que hay ideas arquetípicas percibidas por el alma y modificada creativamente por el mundo sensible.

Aristóteles diferencia mundo y espíritu. "Hombre conócete a ti mismo y conocerás a los dioses del universo". En este aspecto es el hombre el punto intermedio capaz de unir el cielo con la tierra. El hombre puede elegir y transformar sus propias circunstancias: libertad.

La parte fundamental para el resurgir de esta época es la corriente hermética, la cual recoge unos secretos mantenidos por los discípulos.

Otro factor importante es la unión de contrarios: nuestra mente racional funciona por opuestos: blanco y negro. En nuestra cultura siempre aparece el exceso y el defecto pero, es en esta época cuando se cuestionan eso. Debe haber un tercero que vaya por encima de la razón: la intuición, el discernimiento.

Es una especie de mediador entre los dos anteriores. Por eso Hermes es el mediador que está por encima y controla a los contrarios.

Pero, además de todos estos conceptos que hemos descrito hay uno que es el motor de todo el Renacimiento: el amor. Al hablar de amor nos referimos al amor sereno, armónico, definido como la búsqueda de la belleza ideal.

Ficcino es uno de los máximos exponentes de este ideal. "No se abraza lo que se conoce, se abraza lo que se ama." Sólo a través del amor se puede alcanzar el conocimiento.

El filósofo debe tener una belleza interior. Cuando hablamos de amor ciego podemos decir que el individuo ve con los ojos del alma, no con el de los sentidos.

MITO: Tiresias contemplaba a Diana desnuda y, por ello, se quedó ciego. Sin embargo, le otorga el don de la profecía: la belleza interior.

Platón decía que "sólo se ama lo que no tenemos. Es el gran motor hacia la búsqueda". Debe ser filósofo porque carece el conocimiento.

Una vez os he mostrado un poco del contexto histórico podemos prodecer al análisis de la obra que nos ocupa: La primavera de Sandro Botticelli.

La primavera, 1477-1478
temple sobre tabla, 203 x 314cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia

Descripción.

A la derecha encontramos a Céfilo, el dios del viento primaveral (pasión desenfrenada) que toca a Cloris, la figura que le sigue, una ninfa representada con el color blanco simbolizando la pureza. De su boca manan flores, lazo de unión con Flora, la belleza personificada, diosa de la fecundidad como poder germinador de la naturaleza.

La escena se presenta en un jardín de naranjos. 

A continuación de estos tres personajes podemos ver a la figura central, la diosa Venus, la cual tiene su mano relajada dirigida hacia las tres gracias.

La figura masculina que aparece a la izquierda de la obra es Mercurio, el protector del jardín que aparta con el caduceo las nubes.

Arriba podemos ver a cupido con los ojos tapados y lanzando una flecha a Cástitas. 

Simbolismo

La lectura de la obra es de izquierda a derecha, donde podemos ver una armonía completa de las partes que conforman la obra.

Se trata de la metamorfosis del alma que culmina en la comtemplación.

Se caracteriza por un neoplatonismo donde se puede ver la emanación, la conversión y el proceso de ascensión a la contemplación.

En cuanto a la venus decir que tiene una doble naturaleza: celeste y terrestre. Es la hija de la abundancia y de la pobreza.

Clóris en el alma que entra en el mundo natural a través de Céfilo

Flora es la diosa de la juventud. Genera belleza desde su preñez.

Venus está rodeada por árboles. La luz que se encuentra de fondo tiene forma de pulmones y ella se encuentra en el centro: corazón.

Levanta su mano con gesto de moderación hacia las tres gracias.

En cuanto a éstas podemos decir que se trata de una triada: Pulcritud, que da la cara y la oculta por devolver el favor; Cástitas da el favor y apenas se le ve el rostro; Voluptas, la cual lo recibe y lo da al mismo tiempo. Por ello que esté dando la cara.

Esta representación de las tres gracias me recuerda en cierta medida a las que se encuentran en la Glorieta de Bèquer, en Sevilla.

Estas féminas se mueven en una danza armónica. El amor casto no lleva joyas como Clóris, pero en tiempos diferentes.

Voluptas goza interiormente de la contemplación de la belleza.

Sus manos forman un arco como iniciación del amor.

En la parte superior observamos a cupido. Lleva los ojos tapados simbolizando la belleza interior y el amor ciego, de los que hablamos anteriormente.

Mercurio mira hacia el más allá. Simboliza la iniciación hacia los misterios. Disipa las nubes como las dudas y las falsas opiniones. Desvela el velo del misterio.

Y para concluir decir que el papel que juega Mercurio lo podemos ver en el mito de la Caverna platónico, cuando el filósofo que sale de la cueva pretende la iniciación. Éste necesita las nubes (velos) para ver la verdad de forma progresiva.

"Filósofo es todo ser humano que le falta algo y quiere encontrarlo" 

                                                                                                                            Anónimo.