Echemos un vistazo. Parte 2.

Este apartado está reservado a la figura humana trabajada con diferentes técnicas, soportes, materiales y formatos. Espero que os gusten.

Echemos un vistazo.

En esta entrada he querido mostraros trabajos de otros años de los que estoy muy satisfecha. La temática en su totalidad son los objetos cotidianos. Espero que os gusten. 

Victor Vasarely. GACMA

En una pequeña sala de la exposición vemos obras litográficas donde el efecto óptico, la geometría y el color juegan un papel muy importante. La exposición pertenece al artista Victor Vasarely.

En mi opinión son obras muy subjetivas, debido al papel que juegan las formas y los colores, con diferentes interpretaciones en el espectador. Más que por el carácter estético, este tipo de obras son muy suprasensibles, es decir, me da la impresión de que no pretende representar nada real, sino que se tratan de emociones, del dejarse llevar. Algunas evocan sentimientos alegres, otras tristes, pensamientos profundos...

La presentación es la misma en todas las obras, exceptuando en su tamaño, composición y color.

La mayoría tiene un fondo beige que deja respirar a la obra y al espectador, debido al cúmulo de tensiones lineales y cromáticas. El marco es de una madera del tono del tilo que la hace mucho más liviana, muy lejos de las recargadas con motivos florares del arte rococó.

Los sentimientos que despierta son: vacío, extraña invasión alienígena o mutación, la división de las células, delirio y caída a un precipicio, visión desde abajo de un rascacielos, etc.

En resumen podemos decir que se trata de una exposición cargada de mensajes hacia el espectador donde el artista, a través de su obra, logra comunicarse con su mente.

Es como si nos quisiera mostrar algo lejano a nosotros, nos invita a la reflexión, a la comprensión del mundo. Sinceramente, la sensación que tengo actualmente acerca de esta exposición roza lo imaginario o lo extraterrestre.

Alejandro Gorafe. Deus est machina!

"En cada exposición que hago utilizo un material distinto"

En esta exposición que podemos ver he empleado transformadores eléctricos y les he otorgado otro significado, una segunda oportunidad, una segunda vida.

Podemos decir que todo esto es posible gracias a la experiencia que tuvo el artista cuando vio un libro muy grueso de arte y jugó con las páginas. Inmediatamente se le vino a la cabeza este material tan peculiar.

Estas esculturas representan el movimiento, como si la propia obra hubiera realizado un movimiento y se hubieran recogido todas las secuencias de fotogramas por segundo. Este mismo procedimiento lo podemos ver previamente a través de la pintura con Marcel Duchamp y su desnudo bajando la escalera.

La obra funciona en todas las perspectivas y su significado radica en que en el núcleo del transformador existe vida.

La intención del artista roza la del op art, la cual intentaba crear efectos ópticos a través de la posición que tomaba el artista al contemplar la obra.

Ramón Gaya. Pintura, verso y prosa.

Siento no haber podido actualizar antes el blog pero debido a saturaciones y acumulación de trabajo me he visto obligada a ello. Una de las pérdidas que mas he sentido ha sido la exposición que aquí me acontece. La visita fue realizada el 28/03/2012 y se encontraba cerca del Teatro Isabel la Católica de Granada. En el mismo día visité la exposición de José Luis Ruiz Junco "Susurros".

Esta visita me sirvió para valorar las carencias que tenía la de Ruiz Junco en cuanto al espacio expositivo de esta otra. Podemos ver como varía el presupuesto de una respecto a la otra, evidenciado en las paredes, los espacios entre las obras, la calidad con la que han sido impresos los títulos de las obras, etc.

Con este tipo de cosas suelo ser muy meticulosa, debido a que soy una maniática del orden y que en un futuro me gustaría tener y gestionar una galería de arte contemporáneo para impulsar a los jóvenes estudiantes con talento.

Biográficamente podemos decir que ha sufrido mucho, debido a que su madre murió cuando el artista tenía dieciocho años; cuando se desata la guerra en España su casa es bombardeada y pierde casi todas las obras realizadas hasta el momento; su mujer muere en el bombardeo de Figueras intentando pasar a Francia se exilia a México dejando a su única hija en Francia a cargo de su amigo el pintor inglés Christopher Hall.

"Valgan como resumen de su vida las palabras del pintor en una entrevista concedida a Andrés Trapiello en 1988: Mi vida ha sido principalmente trabajo. El trabajo de una vocación, claro, no de un simple trabajo penoso y difícil, sino de una vocación irremediable, y que yo he sentido siempre, no como algo que hacía sino como algo que era, nada más. Pero ese trabajo de tantos años, en realidad lo he visto siempre como preparación, preparación para algo que no sé si estoy ya en ello. Lo que pinto ahora me sigue pareciendo preparación para otro día, para el día siguiente, y lo del día siguiente para el otro día que viene. Es decir, me parece que esto no tiene término. Para el creador no hay término conocido ni lo habrá nunca. Se trata de terminar esta vida y esta vocación en algo vivo, es decir, en algo completamente original, naciente. Es decir, en vez de llegar a una maestría, donde hay que llegar es a un principio."

Lo que he interpretado de este texto ha sido que no debemos abandonar nunca nuestras obras, sino que tenemos que trabajarlas durante toda nuestra vida, debido a que no están nunca acabadas. Todo lo que produce el artista son investigaciones para próximos trabajos que serán investigaciones de nuevo.

En cuanto a la exposición de Ramón Gaya podemos decir que goza de calidad y emana fuerza y vitalidad. La temática costumbrista que inunda la selección de las obras es propia de los artistas modernistas, debido a que era una vía rápida para ser conocido y para llegar al mercantilismo del arte. Era y sigue siendo una de las tendencias más aclamadas por la sociedad. ¿Quién no tiene, o al menos ha visto en casa de alguien, un paisaje o una marina?

En torno a este tema he escogido una serie de obras que lo muestran claramente.

He de decir que el tratamiento que han recibido es muy exquisito y delicado, de una belleza abrumadora. Todos están realizados con óleo y en cada uno de ellos podemos ver como se mantiene la imprimación de tonalidad terrosa. Se han trabajado desde abajo, es decir, en base a la imprimación se han aplicado veladuras, otorgándoles una atmósfera envolvente, misteriosa, con ganas de descubrir y analizar.

La segunda parte de la exposición me ha parecido bastante interesante, debido a que es la primera vez que observo una similitud con el trabajo que realizamos en la facultad.

Se trata de la representación de modelos desnudos del natural, como los ejercicios planteados por los profesores. El tratamiento que ha empleado el artista es bastante fresco y dinámico y me recuerda a trabajos personales anteriores.

Sean Scully: luz del sur.

El artista nace en Dublín en el año 1945. Su producción artística es una de las más cotizadas y admiradas por numerosos museos y galerías públicas del mundo, como el Museum of Modern Art, el Guggenheim Museum de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.
Actualmente vive en Nueva York, Barcelona y Munich. Fue profesor en la Universidad de Bellas Artes de la última ciudad.

La exposición se encuentra en la Capilla del Palacio de Carlos V. En la inauguración el artista estuvo aquí.
Su obra es muy sugerente y la que se encuentra actualmente expuesta consta de tres partes: fotografías, acuarelas y dibujos.
El expresionismo asbtracto en el que se sumerge es similar al que trabaja Rothko pero mucho más expresivo, geométrico, orgánico y ordenado, utilizando colores muy terrosos con un poco de profundidad.
Su producción artística tiene mucho que ver con José Guerrero.Además se relaciona con Kandinsky a través de su libro "De lo espiritual en el arte".
A nivel personal las obras me trasladan a imágenes precondebidas y situaciones ya vividas, tales como piscinas, salones, banderas, personas, etc.
A continuación voy a mostraros una selección de las obras expuestas en la Capilla del Palacio de Carlos V.

Las obras que han captado mi atención del Museo de Bellas Artes han sido:

- Dos hermanas. José María López Mezquita.
- Cabeza de gitana. Manuel Ángel Ortiz. Recuerdan a las vasijas griegas y al ojo picassiano.
- Miguel Ángel González de la Serna. Lados opuestos: orden y desorden.

Guillermo Pérez Villalta. Viajes de Gulliver.

Guillermo es un pintor y escultor que nació en Tarifa hacia la mitad del S.XX. Integrante de la conocida movida madrileña se considera uno de los pintores más reconocidos del posmodernismo español.
Uno de sus dibujos inspiró un monumento ecuestre (El instante preciso) realizado por Ramiro Megías en la fachada del Ayuntamiento granadino.
La movida madrileña fue una articulación cultural que se inició en España en la etapa posfranquista. Uno de los objetivos fundamentales de este movimiento fue la incorporación de la cultura juvenil a los proyectos municipales.
El Ayuntamiento de Madrid subvencionó macro-conciertos de grupos de rock&roll internacionales poniéndolos al alcance económico de todos. El factor común que unía a la gran diversidad de personas eran las ganas de divertirse en el Madrid de los 80. 

 

En este ambiente efervescente surgirán fotógrafos, músicos, escritores, pintores y dibujantes. Es en este momento donde Guillermo aparece como artista.
La exposición que he visitado recientemente (hace justo una semana) se titula Viajes de Gulliver, una novela de 1726 publicada por Jonathan Swift. Se trata de una sátira de la sociedad y la condición humana tamizada por un viajes por paisajes pintorescos.
El libro está dividido en cuatro partes, cada una dedicada a un viaje. En la exposición podemos ver como el artista ha dividido las obras y el espacio tal y como lo hace la novela.
El enfoque que le he querido dar a esta exposición ha sido premeditado, debido a que estoy cansada de fotografiarlo todo y documentarlo.
Esta vez he querido fotografiar la parte más interesante, a mi juicio, de toda la exposición. Me refiero a las interpretaciones de las letras del abecedario tanto de forma planimétrica con un gran número de colores como las trabajadas de forma animada.
De esta selección que he realizado he llegado a la conclusión de que no se tratan de simples letras, sino que esconden algo que debemos analizar particularmente. Este análisis me gustaría llevarlo a cabo en mis próximas obras.
Aquí os muestro la selección, espero que os guste.

P.D: la exposición se encuentra en el Palacio de la Madraza (Granada) junto a la Capilla Real.